在传统国画家中，陆春涛算得上是一个“异类”——曾经弃画笔从商的经历，让他多了一份烟火气的历练，也让他对再度回归到国画的意境世界中有了一份与众不同的体验。

　　在传统水墨画家中，陆春涛也算得上是一个“异类”——从早期的传统山水花鸟画，到后来融入西方艺术元素的水墨画系列，他的艺术风格似乎一直在朝更未来的方向在“变化”。就在新近开展的“水乎墨焉——陆春涛3000立方水墨空间展”上，他的“荷塘”系列更是走出了纸面上的“变”，走向了更宽泛的空间上的“变”，甚至变成了一场行为艺术。

　　“异类”如他，却始终坚持“笔墨当随时代”的主流真理。“永远不变的画家只是熟练的画匠。”他说，“笔墨当随时代，水墨是传统的，时代是当下的，我们一路向前必然需要一路变化。”

　　【从“传统”到“当代”】

　　记：这次的展览与以往的展览最大的不同是?

　　陆：这次展览希望尝试以一种当代艺术的形式来表现传统水墨的主题。主要是通过空间与新媒体手段的运用，将水墨艺术融入展览空间中，以类似当代概念话剧剧场的布展方式，挖掘水墨创作、展示的多元潜能。展览以我的“荷塘”系列为主调，通过三千立方米的展示空间，把《荷塘》作品与“荷塘”空间融为一体，将水墨的魅力从二维延展至三维，希望能以此让观众感受到当代水墨与空间的对话。

　　记：水墨画在大家的印象中应该说是非常传统的，您的展览运用大量当代艺术元素，如何理解水墨与当代的关系?

　　陆：当代水墨艺术家对当代水墨的认识都是不一样的，我的理解就是所谓的“当代”首先是你表现的不管是图式还是语言，必须靠近当代审美的情趣、审美的意识，包括观念和方法。就水墨画而言，它的外延再宽泛，内涵也依然是中国水墨、中国画，而中国画在整个艺术领域里是有它的特殊性的，其中最重要的核心不是笔墨，而是一种精神。我所理解的中国水墨核心是它的东方性，即所谓的民族性。再具体一点来说，我追求一种东方的意境，这种意境可以用“诗情画意”来形容，而这种意境也是古今相通的，只不过古人可能是小桥流水，今天的人们需要找到新的载体，比如说荷塘，同样的荷塘你也能赋予它一种诗意、诗境，这是我理解的东方性。

　　中国画传统艺术与当代艺术的区别，除了所呈现的形式、内容、技术等不同外，更重要的是观念和思想。思想观念变了，表现必然会变化。“笔墨当随时代”是千年不变的真理，而这个时代是艺术家所处的那个时代。你现在看不到那个时代的小桥流水，人的思想也回不到过去。现代的生活方式、生活环境等都变了，观赏者的审美情趣、眼光、观念、思想、生活也都变了，你的画所呈现的色彩、形式也必须变，变得附合这个时代观赏者的审美情趣。其实，抽象试验的当代水墨虽然形态上更“前卫”，但是受众也更有限。但艺术应该是可以逐渐为更多的人所接受的。

　　【从“灶花”到“瓶花”】

　　记：是什么样的机缘让你走上了艺术之路?

　　陆：小时候住在崇明农村，农村有灶台，灶台上有泥水匠绘制的各式各样的灶花，给我留下深刻印象。从此，自己也学着在墙上涂鸦。15岁时，得到黄若舟教授的美术启蒙教育，1984年进入上海外国语学院美术专修班学习直到1986年毕业，这算是我正式学习绘画的起点，期间又拜当时的班主任、著名花鸟画家钱行健教授为师，在绘画理论和实践上都得到了进一步的磨练。

　　记：第一次办展是什么时候?

　　陆：1988年我就开了个展，还是当时上海郊区第一个进京开画展的画家。那时没有钱，是父亲拿了为我存的一万元“老婆本”给我开的画展。展览很成功，来了很多人，媒体也给予了大篇幅的宣传，但那时画是卖不掉的，也不卖画。做展览的目的用我父亲的话来说就是“吹吹牛皮，大大名气”。

　　记：然后就一路坚持到今天?

　　陆：1993年，我辞掉工作，下海创办广告公司。当时以为广告设计和绘画差不多，开个广告公司还能和画画有点关系。没想到开了公司后，完全成了生意，把绘画扔掉了，直到2000年我一直画得很少。2000年后，事业上相对来说比较顺一些了，空余的时间多了，就又重拾起了画笔。从事经营这段时间里接触了很多企业界和其它行业的朋友，他们对我也很关心，都希望我重新画画，为此也给了我之后重返画坛的诸多支持。到了后来，我索性转移重心，专心画画。

　　记：这样的经历对于一个画家来说，是否也是一种艺术上的财富?

　　陆：“下海”的经历事实上给了我绘画上很大的帮助。广告设计需要吸收很多新的观念才能带来更多设计的灵感，类似的体验多了，反哺到我的绘画创作，就多了一份创新的自觉。我会在创作中自觉融入某种设计感，事后我发现，所谓的当代，一个明显的视觉特征就是都带有一点设计性。所谓的新意、创意，其实都来自于思想，不是说完全颠覆，至少在某一方面有所突破。比如林风眠先生把油画的元素转换为国画，虽然一开始大家看了觉得跟油画差不多，但是他毕竟融入了很多中国画的元素在里边，毕竟是糅合、打通的，所以今天才如此被承认，吴冠中也是一样。中西调和，最成功的还是林风眠跟吴冠中。

　　记：什么时候开始形成自己的艺术风格?

　　陆：在2003年之前，应该说我的绘画风格还比较传统。那一年非典肆虐，我回到崇明闭门画画，当时画了一批“瓶花”系列，画着画着发现有了新的感悟。后来，这批瓶花和传统的瓶花风格很不一样，色彩更浓重，构图更夸张，对我自己来说是一个明显的突破。可以说，这批瓶花作品在立足中国传统水墨画基础的同时，吸收了西方油画的元素，我也觉得找到了一些自己的个人绘画语言。之后，我又通过对西方色彩学理论的借鉴，融入摄影视觉理念，画了一批色彩斑斓的“新写意花鸟画”。2005年，我三赴欧洲，画了一批地理地貌完全不同于中国传统山水的欧洲写生，尝试与中国山水画贯通，将中国水墨画与西方风景速写的元素糅合起来，之后在其它题材的创作中也不断吸收尝试。通过两三年的反复体验，我意识到已慢慢找到了自己想要的方式和语言。

　　【从“不变”到“变”】

　　记：关键性的艺术风格转变是在什么时候?

　　陆：第一次转变是从传统的花鸟画转到瓶花系列，瓶花系列有着“近观”的构图特征，也就是将花卉等景物放大至正常物体数倍，造成强有力的视觉冲击;第二次则是2008年的江边、荒谷、荷塘系列，这一系列作品把重心放在广阔、旷远的意境表现上，以似是而非的物象改变传统的识别经验，传达出新的审美理念。这几组作品和以前的作品相比，最大不同在于探讨了虚拟空间和真实存在之间的距离，通过以一个别样的角度观照自然，来保持一种对新的水墨语言的反思。

　　记：从您的艺术创作来看，“变”成为您艺术上“不变”的一个主题。

　　陆：我希望在传统里面有所突破，因为我是从传统走过来的，是下过功夫的。你叫我颠覆一切，完全做成概念的，我目前肯定不做，我始终认为中国水墨还是需要有传承、发展的。比如说我画荷塘，就会追溯宋人怎么画，明清的人怎么画，工笔如何，写意如何。当然荷塘我跟古人画得也不一样，首先营造的氛围注入了西洋画的元素，注入了摄影的元素、光影的感觉，当然也注入了设计的元素。然后从构图来说，古人讲究用笔，讲究每一个花瓣的表现，我更注重把荷塘画成一种风景。李小山曾经给我写过一篇文章，说我一只脚跨出了传统的门槛，一只脚在传统的门槛里就是不出来。对此，每个人理解不一样，我只是在追求一种新的意境，这种意境不是在古人的脚印下走出来的，应该在此基础上有所突破。